Artículo De Rock & Roll: Dylan Trae La Controversia De Vuelta A Casa

Esta es la cuarta de una serie de características de Rock & Roll que estoy escribiendo para este sitio. Soy un rock and roller y amo el blues, así que esta columna es una forma de presentar un álbum diferente que me guste de esos géneros cada mes.

En 1965 Bob Dylan había revivido con éxito la música folk con sus primeros 4 álbumes, pero luego cometió el pecado máximo del cantante de folk: tomó una guitarra eléctrica. Bringing it All Back Home fue la primera incursión real de Dylan en el rock de raíces eléctricas y hubo una reacción violenta considerable con una ráfaga de abucheos de los lugares de conciertos y la prensa negativa de sus seguidores de música folk que crecerían sustancialmente con la Highway 61 Revisited completamente eléctrica. Personalmente, no lo veo como un gran cambio en el trabajo de Dylan. Seguro que la instrumentación cambió y ganó una sensación más rock and roll, pero el corazón de la composición de Dylan sigue siendo evidente y llevado a nuevas alturas.

Como la mayoría de las personas que están familiarizadas con la música rock, había oído hablar de Bob Dylan a lo largo de los años e incluso conocía algunas de las canciones que había escrito mucho antes de que realmente escuchara su trabajo. También como la mayoría de la gente, el primer álbum completo que escuché de Dylan fue el infame álbum Freewheelin ‘Bob Dylan de 1963. Me encanta ese álbum, pero el álbum que consolidó a Bob Dylan como uno de mis músicos favoritos de todos los tiempos fue Bringing it All De vuelta a casa.

Una mezcla única de canciones eléctricas y folk, todas las cuales tienen una sensación y un ambiente distintos que hacen de este álbum uno de los que puedo tocar sin parar y obtener la mezcla perfecta de rock, folk, blues stomp y country. El álbum comienza con un impacto para la comunidad folk: una canción de rock. “Subterranean Homesick Blues” es el blues sureño en su máxima expresión. Las letras crípticas pero caprichosas de ritmo rápido de Dylan son lo que realmente hacen que la canción sea genial. Serpentean a través de la canción con un sentido de comentario social tan rápido que tienes que escuchar realmente para captar todo. Esta sensación de rock continúa en canciones clásicas como “Maggie’s Farm” y “Outlaw Blues”. Ambos tienen el mismo pisotón de blues con “Maggie’s Farm” tomando la ruta más lenta con letras socialmente cargadas que hablan sobre el trato ético de los trabajadores si eliges interpretarlo de esa manera. “Outlaw Blues” es uno de mis temas favoritos de Dylan de todos los tiempos. Con un riff que recuerda a “Give Me Back My Whig” de Hound Dog Taylor, crea el blues perfecto y optimista que ya no se escucha. Combinado con la letra honesta y ligeramente caprichosa de Dylan, la convierte en una canción verdaderamente memorable. No puedes ser más honesto que cuando Dylan canta: “No me preguntes nada sobre nada,
Podría decirte la verdad “.

Quizás lo más notable de este álbum es la alegría en la música, ya que en general es un álbum bastante alegre que es muy divertido de escuchar. “Bob Dylan’s 115th Dream” es probablemente el más divertido con su extraño y surrealista sueño de una historia ambientada en un ritmo de rock dance. Es una colección aleatoria de imágenes que pueden resultar inaccesibles para algunos, pero lo absurdo de la canción es lo que la hace encantadora y la convierte en un comentario social muy honesto o simplemente en una canción de ensueño divertida, dependiendo de cómo quieras verla.

El álbum también tiene un lado folk con “Mr. Tambourine Man” como uno de los clásicos del folk de Dylan que fácilmente podría haber sido extraído de uno de sus álbumes anteriores. Sin embargo, mi pista favorita (si tengo que elegir solo una) es “Gates of Eden”. Una canción popular sencilla con letras supremamente simbólicas, tiene una sensación única que es rústica y auténtica pero también triste y llena de sabiduría. Es un marcado contraste con la diversión de las pistas de rock del álbum y una sensación diferente a cualquier otro trabajo folclórico de Dylan con toques de “Masters of War” sin la ira, el misticismo y canciones como “All Along the Watchtower”, que vendría 2 años después.

Yo no estaba en 1965 cuando se lanzó este álbum por primera vez, así que no puedo entender por qué hubo tanta reacción en su contra inicialmente. Ahora, la carrera de Bob Dylan abarca varios géneros y lo supe cuando comencé a escuchar su música, así que no me sorprendí cuando escuché pistas de rock o influencias en uno de sus álbumes. Personalmente, me gusta cuando un artista o banda evoluciona a lo largo de su carrera. Muestra sus influencias cambiantes y crea instantáneas de momentos particulares dentro de sus canciones. No veo una desviación tan dramática de la escritura anterior de Dylan en estas canciones como algunos podrían sugerir. Definitivamente muestran evolución y progreso a medida que abre nuevos caminos con el surrealismo, el comentario social y las imágenes en su composición, pero aún suenan como Bob Dylan con la misma honestidad y autenticidad que se transmite en sus pistas folk. Estos sabores de country blues parecen una progresión lógica para Dylan y definitivamente hacen justicia a sus canciones. No estoy diciendo que estas canciones no hubieran sido tan buenas como solistas con una guitarra acústica, pero ciertamente no habrían tenido la misma sensación alegre. El álbum en su conjunto todavía tiene un aspecto muy espontáneo y

Creación de famosos géneros musicales modernos para la nueva generación de amantes de la música

Es muy fácil amar la música, pero elegir entre la mejor música y la música mal compuesta es el verdadero arte de entender la música. Además, aprender música es un trabajo aún más difícil. No es algo natural para todos los seres humanos. Puede ser un gran amante de la música y también poseer un excelente conocimiento sobre varios tipos de música. Aún así, cuando se trata de cantar o tocar con cualquier otro instrumento, es posible que no pueda tocar correctamente y puede resultar molesto para los oyentes. Si el simple canto de la música es tan complicado, podría imaginarse cuánto debería dedicarse a la composición real de un tipo particular de música. Presentarlo de manera efectiva a la audiencia en general es aún más difícil. Hay varios géneros de música disponibles en este momento que atraen a las generaciones más jóvenes. Incluso a la mayoría de las personas de la generación anterior les han llegado a agradar debido a su enfoque novedoso de la música.

Jazz moderno

El estilo de música jazz se denomina comúnmente Bebop o bop. Consiste en un tempo rápido, improvisación instantánea basada en diferentes combinaciones de melodía y estructura armónica, y alto virtuosismo instrumental. La tendencia del jazz comenzó a mediados de la década de 1940 pero maduró por completo en la década de 1960. Los principales instrumentos utilizados en el jazz moderno son el saxofón, el bajo, la trompeta, el piano y la batería. También se utilizan ocasionalmente otros instrumentos como el violín o el trombón. El jazz es uno de los géneros de música moderna más populares.

Rock moderno

El rock moderno también se denomina rock alternativo, que es el más popular en las radios comerciales. Comenzó a fines de la década de 1970 y continúa hasta ahora. El rock moderno es diferente del rock clásico, que fue popular entre los años sesenta y principios de los ochenta. Varios músicos de rock moderno fueron populares durante la década de 1980. Sin embargo, el gran éxito de Nirvana, la banda de rencor que se hizo increíblemente famosa en 1991, obligó a muchas estaciones de radio estadounidenses a cambiar al rock moderno.

Hip hop

El hip hop es un conglomerado muy amplio de formas artísticas muy diferentes. Emanó de las culturas de la música callejera, especialmente de South Bronx en Nueva York durante la década de 1970. Los primeros dos de los cuatro elementos principales de la música hip hop son la música rap y el turntablismo. Ambos son auditivos. Los otros dos elementos de la música hip hop están rompiendo, que es el arte físico y el graffiti, que es visual. El hip hop sigue a otros géneros musicales como el jazz, el blues y el rock & roll. Sin embargo, también se inspira regularmente en los estilos musicales más modernos como el blues, los ritmos, el funk, la música soul, etc. El lenguaje del hip hop tiene su propia jerga distintiva, adaptada de varias jergas de varias regiones del oeste.

Cambiando Los Gustos Musicales

Mis padres, especialmente mi madre, siempre escuchaban música cuando era más joven. Así que desde muy joven desarrollé un amor por todo tipo de música: rock, folk, country, celta. Mi mamá es una gran fanática del rock de los años 50 y 60, así que se tocaba mucho en la casa. Y aunque me gustó la mayor parte, no podía soportar una parte. Sin embargo, aprecio esas canciones y artistas que nunca escucharía cuando era más joven.

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American Pie de Don McLean es considerada una de las mejores canciones escritas. No fue hasta que cumplí los 20 que me gustó esta canción. Cuando era más joven, me volvía loco. La letra, la melodía, el cambio de tempo, lo odiaba todo. Honestamente, no creo haber escuchado la versión completa hasta los 28 años. Ahora, no tengo idea de qué encontré tan mal en la canción. Me gusta hoy y cuando sale por la radio a menudo me detengo para escuchar la letra.

Bob Dylan y Leonard Cohen son dos artistas que nunca podría soportar. Pero a medida que aprendí más sobre música, sentí que ambos eran cantautores que me gustaría. La gente siempre se entusiasmó con ellos. Simplemente no lo entendí. Ninguno de los dos podía cantar ni un centavo y sus letras a menudo eran complicadas y muy secas. Si bien todavía no creo que ninguno de los dos tenga la mejor voz, aprecio a ambos, incluso siendo dueño de un CD de Leonard Cohen.

Creo que a medida que envejecemos, nuestros intereses musicales pueden cambiar porque comenzamos a buscar algo diferente en nuestra música que cuando éramos más jóvenes. Para mí, me gustaba mucho el ritmo cuando era más joven, y prefería el artista pop y dance. A medida que entro en mi adolescencia, comencé a diversificarme en mis intereses musicales.

Ahora, a mediados de mis 30, todavía me gusta una canción con buen ritmo, pero creo que ahora sé que puedo apreciar a un artista y su talento sin estar enamorado de ellos.

Estudio de caso de música creativa de Colorado, parte 2

Análisis STEP

El análisis STEP de Colorado Creative Music tiene como objetivo analizar los factores macroambientales del negocio de la música en el que participa la empresa. Estos factores se clasifican en grupos políticos, económicos, sociales y tecnológicos (Pearce, Robinson, 2000).

Factores políticos que afectan el negocio de la música en su totalidad y CCM en particular: fuerte estabilidad política en los Estados Unidos; cuestiones reglamentarias y legales relacionadas con el negocio de la música, incluidas las leyes de derechos de autor para la protección de los derechos de autor de la escritura y grabación de música, la legislación relacionada con los derechos de autor que toca el tema de la promoción y distribución de Internet virtual, como The Audio Home Recording Act (1992), No Electronic Theft ( NET) (1997), “The Digital Performance Right in Sound Recordings Act (DPRSRA) 1995, The Digital Millennium Copyright Act,” Legislación pendiente: Music Online Competition Act y Consumer Broadband and Digital Television Protection Act (CBDTPA) “y otras . Las regulaciones ambientales y los requisitos laborales no afectan el negocio en el que participa CCM. En cuanto a la política tributaria, en 2000, de los ingresos totales de $ 216,614.05 la empresa tuvo que pagar $ 4,744,97 de impuestos, que no es una tasa alta y asciende a casi 2 por ciento de los ingresos totales En conjunto, debe notarse que los factores políticos son favorables para la industria discográfica y para CCM en particular.

Los factores económicos incluyen índices de la macroeconomía que pueden afectar a la industria discográfica. Aquí también, los factores macroeconómicos, como el crecimiento económico, las tasas de interés y la tasa de inflación son favorables para CCM. Por lo tanto, la economía de EE. UU. Siguió creciendo de manera constante desde 1995. El IPC cae en 1997, 1998. La tasa de desempleo disminuyó gradualmente de 1995 a 2000.

Los factores sociales, que abarcan aspectos demográficos y culturales del entorno externo a la industria discográfica, son la tasa de crecimiento de la población, la distribución por edades y las actitudes de los portadores. El crecimiento de la población en los Estados Unidos es constante y la distribución por edades también favorece a la industria discográfica. Cabe señalar que para la industria de la música en su conjunto, los adolescentes y los jóvenes de 20 años son el segmento principal de clientes, pero CCM tiene como objetivo atraer a personas de entre 40 y 60 años. Por lo tanto, la parte considerable de la población estadounidense se ajusta a este mercado objetivo.

Los avances tecnológicos en la grabación, promoción y distribución de música tienen varios efectos en la industria discográfica. Un aspecto del problema es que los músicos ya no dependen de los principales sellos discográficos para crear o distribuir sus productos. (Viljoen & Dann, 2000) El software MP3 alternativo al CD se vuelve más popular desde 1998. En el espacio, el audio tradicional puede caber de 12 a 15 pistas de audio; El software MP3 puede almacenar aproximadamente 150 pistas de música. “El movimiento hacia MP3 como el nuevo formato para reemplazar al CD, así como el CD reemplazó a los álbumes de vinilo, se ha acelerado por la avalancha de nuevos reproductores MP3 portátiles en el mercado, algunos por menos que los Sony Discman convencionales”. (Viljoen y Dann 2000, pág. 173). Por otro lado, las nuevas tecnologías digitales que aparecieron a fines del siglo XX no solo facilitan el proceso de grabación de música, sino que lo abaratan considerablemente, brindando la posibilidad de que múltiples firmas con recursos limitados ingresen al mercado. Así, si en la década de 1980 un estudio de grabación profesional con todo el equipo de grabación, trabajando en vinilos o soportes de cinta, costaba varios millones de dólares y por lo tanto era dominio de 5 o 6 grandes compañías discográficas, en 2000, el montaje de un estudio de grabación profesional podría realizarse en costo de solo $ 5,000. Todo el equipo y hardware, debido a los avances globales en tecnología, es mucho más asequible para un artista o empresario promedio.

Análisis FODA

Fortalezas

* Ventajas de costes con las nuevas tecnologías derivadas de la revolución digital. No solo el montaje del estudio con todo el equipo y el hardware necesarios es más económico, sino que la duplicación de CD, el almacenamiento y el envío también son menos costosos. El bajo costo de producción, la duplicación (la duplicación de 500 CD oscila entre $ 1,90 y $ 3,63, la duplicación de 2000 CD cuesta alrededor de un dólar por CD), el envío y el almacenamiento hacen que el producto final sea menos costoso y más asequible para los clientes, ampliando así la gama y alcance del mercado objetivo.

* Posicionamiento de CCM en un nicho de mercado distintivo. CCM es una compañía de grabación de microetiquetas que se especializa en música instrumental clásica y tradicional.

* Creciente base de clientes y fidelización de clientes dentro del grupo objetivo. Crecimiento de la base de clientes debido a la expansión de las líneas de productos (4 ya, cada año surgen 2 nuevas líneas de productos) y la cobertura geográfica de los oyentes.

* Buen servicio al cliente demostrado a través del contacto directo entre Darren y sus fans.

Debilidades

* No hay una visión estratégica clara: CCM necesita una visión a largo plazo que incluya todas las áreas del negocio, desde el marketing y la gestión hasta la distribución y los recursos humanos. En este momento, la empresa se enfrenta a un dilema de un mayor desarrollo estratégico, que

Tragedias Y Desgracias Del Rock De Los Noventa

Cuando pienso en la década de 1990, me vienen a la mente varios recuerdos: el Tech Boom, la Guerra del Golfo, la era de Michael Jordan y el comienzo de la música alternativa tal como la conocemos hoy. Los 90 fundaron la escena grunge, y con ella vinieron bandas que nunca serán olvidadas (aunque otras ya lo han sido). Pero como todas las décadas, los noventa tuvieron tragedias y desgracias. Este artículo está dedicado exactamente a eso; las tragedias y desgracias del rock and roll de los 90.

10. Metallica visita Supercuts

Sería un eufemismo decir que “… And Justice for All” y “Master of Puppets” son álbumes excepcionales. Pero desafortunadamente, en 1996 Metallica dio rienda suelta a sus do’s frescos y más pulidos, que fueron acompañados de su nuevo sonido conservador. Aunque “Load” y “Reload” pueden tener algunas cualidades redentoras, deseamos que estos álbumes fueran lanzados por una banda que no sea “Godfather’s of Metal”. Puede que Metallica vuelva a la pista con su último lanzamiento, Death Magnetic, pero las bandas que intentan crear un sonido más maduro en los 90 pueden haber llevado al metal a una era inmadura (ver Nu Metal).

9. Los sapos permanecen bajo el agua

Nos presentaron por primera vez a esta banda alternativa basada en Texas en 1994 con el lanzamiento de “Possum Kingdom”. Las letras vanguardistas de la banda y las guitarras embarradas influyeron en muchos de nosotros para ir a las tiendas y comprar su álbum debut Rubberneck. De principio a fin, Rubberneck exudaba una energía ardiente que complementaba perfectamente el sonido alternativo y dejaba al oyente anhelando más. Desafortunadamente, nuestra anticipación nunca estuvo completamente satisfecha, ya que Interscope Records puso el hacha en el segundo álbum de Toadies, Feeler (que estaba programado para su lanzamiento en 1998, lo que les valió un lugar en nuestra lista). Nos dejaron con las manos vacías hasta 2001 cuando los Toadies finalmente sacaron el muy poco apreciado Hell Below / Stars Above. La espera de siete años hizo que muchos siguieran adelante y dejó a un sello discográfico a quien culpar por la desaparición de una banda talentosa. Quizás Interscope tenía razón y el segundo álbum de Toadies hubiera sido una absoluta basura, pero es justo decir que esta banda merecía un segundo lanzamiento oportuno. ¡Imagínese si la carrera de Nirvana terminara después de Bleach o la de Radiohead con Pablo Honey! En cambio, Interscope dedicó su tiempo y energía a una banda que eventualmente popularizaría la banda sonora de Shrek, ¡gracias a todos!

8. Rechazado están muertos

Ciertamente no somos expertos en lo que respecta al hardcore sueco, pero cuando pusimos nuestras manos en el disco, The Shape of Punk to Come by Refused, nuestros pensamientos sobre lo que la música podía abarcar cambiaron para siempre. Este LP fue bellamente diseñado para una colección de sonido tan agresiva. Las voces / gritos de Dennis Lyxzen pueden competir con cualquiera del género, y los arreglos no se parecían a ningún álbum de hardcore anterior. Desafortunadamente, este álbum sería su último esfuerzo, ya que la banda se disolvió poco después de completar esta obra de arte. A menos que estuvieras inmerso en la escena hardcore de los 90, probablemente te perdiste la oportunidad de ver a Refused en vivo. A pesar de que han influido en muchas bandas después de ellos (y son uno de los principales catalizadores de la música progresiva como la conocemos hoy), la mayor parte de la fama de esta banda ha llegado después de su ruptura. Si prefieres el lado más fuerte de la música rock, lo más probable es que te encante esta banda y este álbum … eso es si aún no te encanta.

7. El surgimiento del Rap Rock

Todos somos conscientes de que Aerosmith y Run DMC mezclaron por primera vez rap y rock a mediados de los 80, pero este fue más un acto novedoso en ese momento. No fue hasta los años 90 que el rap rock realmente surgió. Incluso bandas como The Offspring sucumbieron a la presión de intentar complacer al público del hip hop. No quiere decir que “Pretty Fly for a White Guy” es literalmente rap rock, o amado por los fanáticos del hip hop, pero definitivamente puede ser visto como un intento incansable de expandir su base de fanáticos. Ahora, no podemos culpar a Rage Against the Machine por esto, porque fueron absolutamente excelentes. Nuestro escrúpulo recae en la mayoría de los que siguieron sus pasos. ¿Rap y rock? ¿Qué tal si mantenemos a los dos separados hasta que alguien (que no sea Rage o quizás Linkin Park) descubra qué diablos están haciendo?

6. Nu Metal

Si conoces a alguien que realmente ama la música, es muy probable que odie la música y las bandas que encabezan las listas. ¿Por qué es esto? Realmente no sabemos quién condujo al comienzo del nuevo sonido de metal y, francamente, tampoco nos importa mucho. Sin embargo, sabemos que desde sus inicios, este género ha estado contaminando las ondas de radio. Cuando miras hacia atrás, algunos de los antepasados ​​del nu metal eran realmente sólidos (Korn, Tool, tal vez incluso Pearl Jam y Soundgarden). Al igual que nuestros problemas con el rap rock, es la forma en que la gente interpretó este estilo y lo que luego decidieron hacer con el sonido que se nos ha metido bajo la piel. El radio rock de hoy en día es típicamente vago y débil (en parte debido al auge del nu metal), y es por eso que la mayoría de las mejores bandas acechan en el underground o permanecen sin ser descubiertas.

solo una red de citas / reality, una banda lanzó un video musical memorable que presentaba colores psicodélicos y abejorros bailando. Por supuesto, quién podría olvidar el video de “No Rain”. Pero Blind Melon fue mucho más que el himno de este extraño paria. Lanzaron su debut homónimo en 1993, que mostraba una variedad ecléctica de excelentes canciones. Los estilos vocales de Shannon Hoon eran como ningún otro, y es difícil identificar a un vocalista de rock más distinto. Es por eso que la sobredosis de Hoon en 1995 fue un golpe tan brutal para la música rock como la conocemos.

4. NKOTB allana el camino para las bandas de chicos y el reinado del pop:

Estaríamos mintiendo si dijéramos que nunca tocábamos con los dedos de los pies a MC Hammer o Vanilla Ice, pero a principios y mediados de los 90 nos vimos obligados a adoptar una postura en contra de la música pop. Durante este tiempo, el pop asestó un duro golpe al rock n ‘roll, y un grupo en particular se destaca como el motivo: New Kids on the Block. NKOTB es uno de esos grupos que nos encanta odiar … las chicas se volvieron locas por ellas, no tocaban instrumentos, fueron acusadas de sincronizar los labios; entiendes la idea. Ahora, no estamos diciendo que sean todos malos (de hecho, hemos llegado a disfrutar de Donnie Wahlberg como actor; mira Band of Brothers y dinos que no es respetable), pero no se puede negar que se les puede culpar con el Colapso parcial de la buena música radial. El auge de New Kids on the Block ha alejado para siempre las listas de éxitos y los fanáticos de la música rock a favor del pop. Podemos vincular aún más esto a la popularidad de programas como American Idol, que ayudan a descubrir cantantes talentosos, pero no necesariamente ayudan a la comunidad de bandas de rock.

3. La muerte de Brad Nowell

Desde “40 oz to freedom” hasta “Boss DJ”, muchos de nosotros llegamos a amar a esta banda de Long Beach. A menudo categorizado como uno de los grupos más innovadores de los 90, Sublime usó toques de reggae y ska para liberar los sonidos del punk. Saturados por el abuso de drogas, sabemos que la historia de Sublime es trágica y desafortunada. El 25 de mayo de 1996, el cantante y guitarrista Bradley Nowell fue encontrado muerto en una habitación de hotel de San Francisco debido a una sobredosis de heroína, valium y alcohol. La muerte de Nowell ocurrió solo (casi un año después del nacimiento de su hijo) y dos meses antes del lanzamiento del tercer álbum homónimo de la banda, que pronto conduciría a ventas multiplatino y al pináculo del éxito del grupo.

2. El accidente de For Squirrels

Porque Squirrels era una banda de grunge que muchos de nosotros recordamos y extrañamos, y otros nunca escuchamos. En 1995, la banda lanzó su primer y último álbum de sello importante titulado Example. Un ejemplo fue un álbum poderoso que muestra la voz cruda de John Vigliatura y una diversa alineación de canciones que hacen que este álbum sea agradable de principio a fin. El álbum contó con una pista titulada “Mighty K.C.”, que terminó siendo el único single jamás lanzado por la banda. El 8 de septiembre de 1995, mientras regresaba a casa de un concierto en Nueva York en el reconocido lugar C.B.G.B., la banda tuvo un trágico accidente en el que murieron el líder Jack Vigliatura, el bajista Bill White y el tour manager Tim Bender. El final de la carrera musical de esta banda fue ciertamente prematuro, pero estamos agradecidos de que cuando llegue el momento de apaciguar el buen rock de los 90, podamos recurrir a temas como “Stark Pretty”, “Under Smithville” y “Disenchanted”.

1. Kurt

Esta no sería una lista legítima sin la inclusión del fallecimiento de Kurt Cobain. Los Foo Fighters están haciendo música “decente” estos días, pero nuestras mentes están demasiado ocupadas imaginando qué más podría haber hecho Nirvana. ¿Necesitamos decir más?

Aprenda A Leer Y Escribir Música De Muchas Maneras

Si le encanta la música pero no tiene interés en actuar, aún puede tener una carrera exitosa en la industria. Mucha gente ha utilizado su habilidad musical para encontrar trabajo escribiendo música y letras.

Si crees que tienes lo que se necesita para ser compositor, aquí tienes algunos consejos para empezar. Por supuesto, debes saber leer y escribir música. Esto es básico. Podrías ser la persona más talentosa del mundo, pero si no puedes leer o escribir música, puedes compartir tus dones y ganarte la vida.

Puedes aprender a leer y escribir música de muchas formas. Intente tomar lecciones o comprar un video o un libro.

Muchas personas aprenden a leer y escribir música cuando son niños, pero aún puedes aprender como adulto. No crea que es demasiado tarde para intentarlo. Una vez que hayas resuelto esas habilidades, debes concentrarte en un estilo musical. Estoy hablando de country, música, rock, ópera o cualquier tipo de música que haga cantar tu corazón. Luego continúe y comience a escribir música y letras para la industria. A medida que su trabajo mejore, puede sentirse listo para llevarlas a los ejecutivos de la industria e intentar venderlas. Para hacerlo, primero debe crear una cinta de demostración para que puedan escuchar cómo suenan. Esto realmente ayudará a realizar la venta.

No se sorprenda si no vende sus primeras canciones. O si recibe críticas por su trabajo. Es de esperar. Los campos creativos suelen ser subjetivos y las personas pueden tener mucho que decir sobre el trabajo que se les presenta en su escritorio. No se desanime. Usa la crítica como información valiosa que te ayudará a mejorar. Si eres nuevo en la composición de canciones, depende de ti promover tu trabajo. Red siempre que sea posible. Busque oportunidades en línea y en otros lugares.

Diez razones por las que Wicked es el musical más divertido de todos los tiempos

West Side Story tiene la música. Phantom of the Opera tiene el romance. Jersey Boys tiene la nostalgia. Pero Wicked tiene la diversión.

De lejos, Wicked es el musical de Broadway más divertido de todos los tiempos. Se ganó este título a pesar de tener un defecto algo menor. Como autoproclamado aficionado al teatro, tengo que admitir que si tuviera que enumerar mis diez partituras musicales favoritas, Wicked’s no pasaría el corte.

Sí, la música de Wicked está solo ligeramente por encima del promedio.

Sin embargo, si tuviera que hacer una lista de los diez musicales que más quisiera ver, ya sea de nuevo o por primera vez, Wicked sería el número uno con una bala.

Mi tesis se prueba 52 veces al año. Casi todas las semanas, Wicked es la producción más taquillera de Broadway: eclipsa regularmente la marca de $ 1.5 millones. Nada mal para un espectáculo que debutó en Broadway en octubre de 2003 con críticas tibias.

A continuación se presentan diez razones por las que Wicked es el musical más divertido de todos los tiempos. ¿Eso es una exageración? Lo es si no has visto el programa. Afortunadamente para los fanáticos de Wicked, no solo pueden ver el musical en el Gershwin Theatre en Broadway, sino también a través de la National Touring Company.

1. Relación de Elphaba y Glinda
La relación única de Elphaba y Glinda es bastante refrescante. No solo son rivales, sino mejores amigos. Y aunque son brujas de un mundo ficticio, su relación es mucho más honesta que las que encontrarás en programas más realistas. Dondequiera que veas a Wicked, no estarás animando solo a una de las dos brujas, estarás animando a las dos.

2. La franquicia del Mago de Oz
Mucho antes de que nuestra imaginación fuera capturada por las franquicias de Star Wars y Harry Potter, fue capturada por la franquicia del Mago de Oz. La mayoría de nosotros conocemos la historia del Maravilloso Mago y la Tierra de Oz a través de la película de 1939 protagonizada por Judy Garland. La película se basó en el libro de 1900 de L. Frank Baum. Continuó escribiendo sobre la Tierra de Oz para 13 libros más. Wicked está tomado de una novela paralela de Gregory Maguire que se publicó en 1995.

3. Referencias de películas
El musical hace varias referencias a hechos ocurridos en la película. A veces, el musical se extrapola mientras que otras veces agrega una historia de fondo. A veces, las referencias están relacionadas con la trama, mientras que otras veces las referencias son estrictamente para fines cómicos. Verlos solo aumenta el disfrute del programa.

4. “Popular”
La canción “Popular” es la versión de Wicked de “Master of the House”. Es la canción que no podrás sacarte de la cabeza. No importa si escuchas la canción en iTunes o en vivo en un cine, estarás tarareando su melodía ultra pegadiza todo el camino a casa. La melodía memorable aparece en el Acto 1 cuando Glinda decide darle un cambio de imagen a Elphaba.

5. risas
No hay ningún personaje en Wicked que proporcione un alivio cómico. Cada personaje es divertido. Wicked no deja de ser gracioso cuando comienza el segundo acto. El espectáculo es divertido de principio a fin. Wicked no se basa únicamente en referencias irónicas a la película. El espectáculo crea momentos realmente divertidos.

6. Animales que hablan
Tienes que amar a los animales que hablan. En Wicked, tienes al Doctor Dillamond. Es una cabra parlante que enseña historia en la Universidad de Shiz. De hecho, los animales que hablan, o más precisamente los animales que pierden la capacidad de hablar, son una parte importante de la historia de Wicked. Si bien nunca habla en el musical, el León Cobarde aparece como un cachorro enjaulado. Es el único uso que hace Wicked de la ternura gratuita.

7. Grandes nombres
Seguro que Tony y Marie son buenos nombres sólidos. Sí, Christine Daae es elegante y Frankie Valli es genial, pero nada puede tocar los nombres de los personajes en Wicked. Ya te presentaron a Elphaba y Glinda (que comienza la película como Galinda) pero eso es solo la punta del sombrero de bruja. Están Fiyero (Espantapájaros), Madame Morrible, Nassarose y Boq (Leñador de hojalata).

8. Verde
Kermit the Frog cantó que no es fácil ser verde y que lo verde nunca pareció funcionar para The Incredible Hulk. Sin embargo, a pesar de sus problemas, todavía los amamos. Lo mismo puede decirse de Elphaba, que también tiene la piel verde. No se preocupe si está viendo el espectáculo fuera de Broadway.

9. “Desafiando la gravedad”
“Defying Gravity” es el momento espectacular que termina el Acto I. Y si los pelos de la nuca no se te erizan cuando Elphaba sube al escenario, entonces deberías revocar tu entrada a Wicked. El número “Defying Gravity” es uno de los mejores momentos de todos los tiempos del teatro musical. Si ha visto Wicked, ya sea en Broadway o en otra ciudad, sabrá que no es una hipérbole.

10. Calidad
Wicked no es el único musical de Broadway “divertido”. Rock of Ages, Legally Blonde y Avenue Q también son una maravilla, pero no los pondrías en la misma categoría que West Side Story, Phantom of the Opera y Jersey Boys. Wicked pertenece a esos dramas musicales de élite porque, además de los buenos momentos, el programa es un drama serio con un mensaje poderoso. Es una producción de alta calidad que también es muy divertida.

Ipod: El Reproductor De Música Portátil Más Vendido

Un iPod se ha convertido en el reproductor de música portátil más vendido. Diseñado y comercializado por Apple Inc., su venta ha superado los 140 millones de piezas. Esta marca disfruta de una cuota de mercado de más del 60% en la categoría de reproductores multimedia portátiles.

Hay muchos reproductores multimedia portátiles disponibles en el mercado. Muchas grandes corporaciones en todo el mundo tienen muchos de estos productos. Entonces, ¿cuál es la razón de tanta popularidad de un solo producto llamado iPod?

Se ha citado la facilidad de uso como la razón principal. Un usuario final tiene dificultades para aceptar un producto que es complicado de usar. Se siente insatisfecho, angustiado y finalmente lo abandona. Apple logró este factor maravillosamente. A pesar de las nuevas tecnologías, un ipod es muy fácil de usar. Da una gran satisfacción al usuario final.

Se requiere el software iTunes para descargar música desde iTunes Store. Ambos son propiedad de Apple. Las versiones actuales son compatibles con computadoras Mac y Windows. Puedes descargar música pop, rock o cualquier tipo de música. Puede reproducir toda la música de iTunes Store y otras fuentes externas limitadas.

Un iPod puede reproducir formatos de archivo mp3, AAc, AIFF y Apple Lossless y otros formatos de archivo estándar limitados. Los archivos de música de Napster y MSN no se pueden reproducir debido a problemas de administración de derechos digitales. Classic, Nano y Touch son las principales líneas de modelos.

Classic se basa en el almacenamiento en disco duro y ofrece capacidades que van desde 20 gigabytes hasta 160 gigabytes. Nano ofrece un almacenamiento que varía de 1 a 8 giga bytes. Los últimos modelos clásicos y nano también pueden reproducir archivos de video e imagen. Los modelos Nano y Touch se basan en tarjetas de memoria Flash.

Ha ganado muchos premios como el producto de audio más innovador, el cuarto mejor producto informático y la excelencia en ingeniería. Un iPod se ha convertido en el producto de audio de mayor reputación.

Copyright @ 2008 Ajay Shah

Ajay D. Shah es un exitoso informador en línea. Han compartido Passion about Music and Movies en su sitio web. Ofrece gran información sobre géneros musicales populares, artistas musicales y descargas de música. También proporciona información útil sobre películas, reseñas de películas, descargas de películas y mucho más.

Hacer música como experiencia espiritual

Si ha estado tocando el piano durante algún tiempo, puede encontrar períodos en los que se olvida de sí mismo y solo queda la música. Incluso podría haber tenido una experiencia espiritual. Un fenómeno donde la emoción y el intelecto se vuelven uno y el mundo exterior desaparece.

Esta experiencia es lo que todos queremos, lo admitamos o no. Esta es una parte muy importante de hacer música, especialmente la música new age. Queremos ese momento en el que podamos dejar de pensar y empezar a sentir.

Por supuesto, hay ocasiones en las que creamos algo para un propósito específico, como música de baile, rock and roll, etc. Pero cuando estás en sintonía con tus sentimientos y dejas que la música fluya de tus dedos, la maravilla y la magia es suficiente para te dan ganas de volver una y otra vez por más.

Para llegar a este lugar no se requiere ninguna habilidad especial. Solo requiere que sepas un poco sobre los acordes y cómo usarlos. Luego, colocas los dedos sobre un acorde y listo.

Lo que hace que esto sea complicado para algunos es su indecisión sobre qué acorde o notas tocar. Después de todo, hay miles de opciones. La solución a este problema es limitar sus opciones. En las lecciones gratuitas, te doy una escala para tocar y algunos acordes de esa escala para improvisar. Este es material suficiente para poner en marcha la imaginación. Algunos estudiantes prosperan en los límites mientras que otros luchan contra ellos. También luché contra ellos hasta que me di cuenta de que mi objetivo era sentirme bien haciendo música, no crear una obra maestra.

Tan pronto como pensé en crear algo, me congelé. Técnicamente, sabía mucho, pero no me sirvió de nada. Reexaminé mis razones para hacer música y llegué a la conclusión de que era simple. Simple, en mi mente en ese momento significaba aburrido. Pero finalmente dejé de lado la necesidad de complacer a los demás y tan pronto como lo hice, comencé a experimentar la creación musical como una experiencia espiritual.

Ahora, no hay nada que me cure tanto como estar en el piano, dejar que las notas caigan donde quiera, dentro de las limitaciones que me puse. Primero, me permito gravitar hacia cualquier sonido que me llame. Por ejemplo, podría ser un acorde menor. Puede que sea el sonido pentatónico lo que me llama. Entonces simplemente me quedo dentro de ese sonido o tonalidad y todo está bien.

Guitarras Eléctricas: Revolucionando El Mundo De La Música

¿Conectado a la música? ¿Quieres tocar un instrumento inteligente y moderno? ¿Estás buscando un sonido perfecto? Entonces la guitarra eléctrica es lo que necesitas.

Durante la era de las big band, era necesario un instrumento que pudiera competir con los instrumentos de gran volumen utilizados en los conciertos de jazz de los años 30 y 40. Y por eso se inventaron las guitarras eléctricas.

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Las guitarras eléctricas tienen una historia muy interesante. Los fabricantes de instrumentos de cuerda, personas entusiastas de la electrónica y los fabricantes de instrumentos lo han diseñado. Lo diseñaron en diferentes combinaciones.

La guitarra prehistórica tenía un sonido vibrante. Entonces comenzó la búsqueda de un sonido diferente que llevó al nacimiento de una guitarra eléctrica, que tenía una bocina amplificadora a mediados de los años 20 del siglo pasado. Durante 1920 y 24, Lloyd Loar inventó la primera camioneta. En 1936 se inicia la producción masiva de guitarra eléctrica española (ES 150). El músico de jazz Charlie Christian solía tocar esta guitarra. En el año 1943, Leo Fender creó una guitarra eléctrica de cuerpo sólido con madera de roble.

En la década de 1950, se inventaron diferentes tipos de guitarras eléctricas como Explorer, Flying v. Después de estos inventos, las guitarras eléctricas comenzaron a volar más alto. Muchos músicos famosos, como Bob Dylan, Jimmy Hendrix, BB King, Chuck Berry popularizaron las guitarras eléctricas.

Bandas como Guns and Roses, Europe, Queen, Deep Purple también popularizaron este instrumento.

Las guitarras eléctricas son muy diferentes a las de otros instrumentos de cuerda. Este es un instrumento de cuerda en el que puede tocar tanto la parte principal como la rítmica. En realidad, este es un tipo de instrumento donde la vibración que proviene de sus cuerdas se convierte en corriente eléctrica. Y se está amplificando, eso les da un tono metálico.

Los tonos de las guitarras eléctricas se pueden cambiar. Para hacer esto, necesita un boletín llamado procesador. Este procesador le ofrece diferentes tipos de tonos. Puede mezclar dos o más tonos o crear algunos de sus propios tonos con la ayuda del procesador. También hay varios otros trucos que se pueden hacer con la guitarra eléctrica. Como, distorsión, trémolo, etc.

Este instrumento se asoció básicamente con la música rock. Pero a medida que pasaba el tiempo, se casó con varios otros tipos de música como el jazz, el blues, la música country, el rock n roll, etc. Se puede decir que la guitarra eléctrica se ha convertido en una parte indispensable de la música del siglo XX.

La primera actuación con una guitarra eléctrica fue durante el año 1932 en Wichita, Kansas. George Barnes fue la primera persona en utilizar una guitarra eléctrica para grabar. Fue él quien grabó dos canciones en Chicago el 1 de marzo del año 1938.

En el escenario musical actual, las guitarras eléctricas están ganando cada vez más importancia. Hoy, no podemos imaginar un programa de música sin ellos. A medida que el instrumento se hizo popular, los músicos también empezaron a ser notados por el público. Incluso ahora son tan populares que notamos por primera vez al guitarrista que a cualquier otro músico en un programa de música. Las guitarras eléctricas ya no están bajo los perros, pero se puede decir que ahora gobiernan el mundo instrumental.

Importancia de los amplificadores de guitarra en la música rock

Los amplificadores de guitarra simplemente amplifican la señal de sonido que se le envía desde la guitarra y, a su vez, activa el altavoz de la guitarra. Las guitarras eléctricas se consideran un instrumento muy pasivo. La razón principal detrás de esto es que no necesitan ninguna fuente de alimentación directa. Muy pocos de ellos funcionan con una batería a bordo. En realidad, es la vibración de las cuerdas la que produce la señal en la bobina. Un amplificador de guitarra se denomina básicamente amplificador combinado, que consta de altavoces y amplificadores. Su gabinete consta de procesadores, perillas, dial, botones, que controlan el conjunto de volumen.

En el caso del guitarrista, un amplificador ayuda a desempeñar un papel: solo hace que la guitarra suene más fuerte. Ecualiza la señal y elimina la distorsión o cualquier otro efecto. La tarea esencial del amplificador de guitarra es producir un volumen de sonido mejorado con claridad. La mayor amplitud de la onda de salida conduce al correcto funcionamiento de la guitarra.

Todo el mundo es plenamente consciente de lo que hacen los amplificadores; toma la señal de la guitarra y la hace audible elevándola a tal amplitud que es suficiente para impulsar un altavoz. Existe alguna diferencia entre los amplificadores de guitarra eléctrica y los de los sistemas estéreo. El amplificador utilizado en equipos de sonido reproduce y amplifica el sonido con una distorsión mínima. Mientras que con el amplificador de guitarra eléctrica, los músicos necesitan tanto distorsión como un sonido limpio. Lo que significa distorsión, se produce cuando la señal es demasiado potente para ese circuito del amplificador. Siempre está ahí con la señal de sonido y las guitarras eléctricas tienen la opción de controlar esta distorsión. Los diversos tipos de amplificadores de guitarra disponibles en el mercado son guitarras eléctricas, guitarras acústicas, bajos y muchos otros.

Si el sonido que sale del amplificador y el altavoz es lo suficientemente alto, automáticamente hará que las cuerdas de la guitarra vibren. Depende de si la señal alimentada a la entrada del amplificador de guitarra funciona o no; de lo contrario, la señal podría enviarse a los preamplificadores cuya salida se envía al amplificador de guitarra. Con los recientes avances en la tecnología adoptada por los músicos, la guitarra eléctrica aún ocupa un lugar destacado. Ayuda a inspirar un tipo de música completamente nuevo. Desde su invención en el siglo XX, la guitarra eléctrica se considera el instrumento más destacado de la música rock. La banda de rock está realmente incompleta sin ella.